Tiene huevos. La canción que mas recuerdos me trae de los 80, el hit celebérrimo por excelencia que todo ser dotado de martillo, yunque y pabellón auricular ha debido de escuchar hasta la saciedad, la melodía que inmediatamente me retrae hacia una época dorada que ahora es sólo un vil murmullo, es en realidad de 1979. The Buggles, paradigma británico de aquello que entendidos y gafapastosos vienen a denominar como banda “One Hit Wonder“, fue un dueto sinthy-pop que esculpió un auténtico himno generacional al inicio de una era de hombreras y leotardos bicolor, y al poco se deshizo sin llegar jamás a desarrollar una sóla gira promocional. Millones de leureles en concepto de royalties, y donde se forran los artistas, que en verdad es en conciertos, ni una mala peseta. Lo que se llama “un negocio redondo” para la SGAE.
Para más inri, la letra de la canción, con sus míticas estrofas radiadas en una acústica deliberadamente enlatada, que reza versos como

“I heard you on the wireless back in ’52
lying awake intent at tuning in on you.
If I was young it didn’t stop you coming through”

rematados con ese incomprensible y melodioso femenino

“¡Aaawa-awa!”

que cada vez que escucho me pone los pelos como escarpias, nos remite en realidad a una época nostálgica mucho más antigua -los años 50- en la que la difusión de los medios audiovisuales crucificó a muchas de las estrellas de la radio de la época, de una voz y armonía indudables, pero un carisma y un look dejado de la mano de Dios. Lejos de constituir un axioma, cierto es que los cantantes punteros feos, obesos y con pantalones de pana no abundan en las listas de los Grandes Éxitos, desplazados por los crueles artificios del circo del marketing musical, donde priman los sex-symbols, la gomina Giorgi en cantidades industriales, el atrezzo de la pantomima y los glóbulos mamarios a reventar. Que yo soy el primer fan irredento de las tetas grandes, quede clara la premisa, pero coño, hablamos de pop, de techno, de trash, de punk, de copla, de heavy metal, de música rehostia, no de películas porno. Aunque más de un pájaro no pierda la ocasión de sacudirse la sardina con cada videoclip de la Soraya que pasen por el canal de Los 40.
De un tiempo a esta parte, productores y cazatalentos nos inundan de barbies de silicona y follarines saltimbanquis, obviando la primordial importancia de la melodía y el virtuosismo de las cuerdas vocales, pervirtiendo el panorama musical con sub-ídolos juveniles prefabricados para el infrapúblico teen. A los Backstreet Boys, las Spice Girls, Justino Timberlake o al fenómeno O.T. les remito.

Los Buggles en sí, aún con sus pintas de geeks universitarios y con sus gafas de Pepe Gáfez, no eran tan horripilis como pudieran ser, qué sé yo, Rosana o Pedro Guerra, y demás desarrapados rascabandurrias del Averno marginal de los cantautores, pero bien podrían adscribirse al tema de su canción de bandera. Parcialmente inspirada, por cierto, en un curioso relato de J.G. Ballard, dato aportado en pro del lector puntilloso y desequilibrado.
Un refrán muy manido en el mundo hertziano de las ondas sentencia que “si una voz te enamora, no te pases por la emisora“. Más menos, lo que bien apostilla nuestra homenajeada Video Killed The Radio Star, a modo de moraleja: “Put on the blame on VTR” (Video Tape Recorder). Los entrañables Juan Luqui, Abellán o Cristina López Schlichting pueden dar buena fe.

Múltiples veces versionada a lo largo de los años, como todo clásico que se precie (el último fue Robbie Williams), sin duda destaca la interpretación de los Presidents of U.S.A., como parte de ambientación de la peli El Chico Ideal, de la cándida Drew Barrymore y el tontaina del Adam Sandler. Jamás la cantaron los Radiohead, ni puto caso a las fábulas de Wikipedia, a no ser que fuera en la ducha, después del O Sole Mio.

También cabe reconocerle a su vidrioclip, dirigido por “el Inmortal” Russell Mulcahy, el honroso honor de inaugurar en 1981 la programación de la MTV, símbolo del coolismo guaycista por excelencia. Otra anécdota curiosona estriba en los coros femeninos de acompañamiento, una leyenda urbana asegura que se trataba de una veinteañera Madonna, en sus anónimos inicios artísticos previos al corpiño con teteros de pico. Mas si, de esta colección de anexos absurdos y prescindibles, destinados a dar la razón a la recua de críticos con mi supuesta afición a enrollarme -bastardos – he de decantarme por uno, elijo sin vacilar el más freak: la campaña publicitaria ochentera de aquella marca de vídeo-grabadores sistema VHS, uno de los plagios más míticos que esta retorcida mente recuerda:

SANYO-SANYO…

está contigooo

Reciban un cordial saludo y muy buenas noches.

Se parte uno el ojaldre cuando consulta la todopoderosa Wikipedia, supuesta cuna del saber y la cultura neosecular, y se encuentra con joyas literarias como ésta, referida al ex-niño actor que hoy nos atañe:

Barret Oliver -  actor estadounidense popular por su crítico papel en el filme de 1984 “La Historia Sin Fin”. Es considerado uno de los actores jovenes vetereanos (sic) en lo que va del cine hollywoodense.

y se queda tan ancho el redactor, traductor autómata de la versión yankee o sudaca medio-analfabeto metido a enciclopedista, ante la pasividad de los -en apariencia- implacables y temibles bibliotecarios wiki-cops.
Barret Oliver (como Macauley Culkin o Brad Renfro en los 90, Pablito Calvo, Pili y Mili o Marisol en la España cañí, y sus coetáneos ochenteros Corey Haim o el omnipresente Corey Feldman) fue una de tantas celebridades cinematográficas infantes cuyo rostro se grabó en nuestras retinas pero, tras crecer y madurar en los estragos de la adolescencia, sólo los recuperamos hoy día para mofarnos del resultado estético actual de sus dietas ricas en hormonas. O bien, para rellenar los apartados de sucesos referentes a juguetes rotos, esas ex-estrellas infantiles del pasado metidos a alcohólicos antónimos, suicidas automovilísticos y bricomaníacos de la sobredosis. Lo sufrimos, tristemente, con el recuerdo de los entrañables River Phoenix, nuestro patrio pívot Joselítez, el niño de Su Juguete Preferido (transmutado al cine blandiporno, como el sonado caso de la hija de los Winslow en Cosas de Casa, algo más hard en sus performances), o incluso la cándida Drew Barrymore con su coletitas en E.T., recuperada hoy para la causa.
Sin embargo, como no son todo cenagales en los inescrutables caminos del Señor, conviene aparcar en batería el todoterreno de los tópicos malignos, y aclarar que la celebridad durante la minoría de edad no supone, de por sí, un pasaporte hacia el Infierno. No por recabar menor repercusión sensacionalista, han dejado de ser inmensa mayoría los ejemplos de los ‘niños mediáticos’ del ayer que, en la actualidad, sobrellevan una vida saludable, aun con vello púbico en sus entrepiernas y calvas incipientes en sus sienes. Y ahí tienen el gratificante perímetro mamario adulto de Sara la de Compañeros (y niña-anuncio de muñecas por antonomasia de las navidades ochenteras), el brillante CV de Elijah Wood aun a pesar de sus ojos de batracio, o la reputación del gran Leo di Caprio, del que pocos ya recuerdan sus apariciones en Los Problemas Crecen, junto al predicador ex-guaperas de Kirk Cameron.

Existen, incluso, -algunos no me creerán si se lo digo- casos aislados de niños mediáticos del pasado que, superado todo síndrome de Peter Pank, no se aferraron al faranduleo como único destino de sus vidas, cayendo en que lo suyo fueron refulgentes papelitos que estarán muy bien para fardar ante sus nietos, pero que hay otros futuros posibles más dignos acordes con sus posibilidades. Dejando de lado patetismos patentes como las ‘versiones F5′ de Arnold o Webster, ahí tienen a Paul de Aquellos Maravillosos Años, brillante abogado con licenciatura de Yale, o nuestro añorado Piraña, Doctor Ingeniero en Telecomunicación, cum laude en su tésis incluída. O nuestro Bastian Baltasar Bux que llegado a este punto retomo, alias Barret Oliver, ese adorable mocoso que se pasaba la mañana de pellas bajo una manta de felpa en el cuarto de objetos perdidos del cole, leyendo un tochazo infumable de un tal Michael Ende. La maravillosa La Historia Interminable, una de mis pinículas favoritas per sempre, merced a esa inolvidable banda sonora a prueba de nostálgicos empedernidos, al protagonismo de otros niños-actores de los que jamás nada se supo (Atreyu aún guarda cierto parecido a pesar de su aspecto hombre-lija, la preciosa Emperatriz Infantil iraní ciñó su carrera profesional al baile), o sus irrepetibles escenas con monstruos come-piedras, caracoles de carreras (el jinete, por cierto, es el enano fetiche del amigo Tim Burton) y dragones volando sobre las calles de Brooklyn: FUYUR, el mastín planeador que siempre soñé cabalgar antes de arribar mi adolescencia, y redirigir mis oníricas poluciones hacia Pamela Anderson.

El gran Barret Oliver, al contrario que otros colegas preadultos repelentes y hostiables como el niño medio retrasado de E.T. (uno de los peores doblajes que recuerdo), Bego de Compañeros o todo el elenco protagonista de la infumable “Pandilla de Pillos” de 1994, poseía un extraño don, poco común entre estos engendros prodigios que uno desearía estrangular entre sus psicóticas manos: encanto. Ni cursi ni repipiolo, ni el clásico resabiado de la EGB al estilo de los repugnantes listillos de Sabe usted más que un niño de primaria; el chaval de La Historia Interminable, Cocoon o el infante-robot de D.A.R.Y.L. de 1985, Barret Oliver, era un niño sin más, sin pretensiones, un enano de metro treinta ojito derecho de las abuelas, entrañable para el público en general. Correcto y formal, gracias las justas, el clásico primito al que sientas en ‘la mesa de los pequeños’ en los bautizos y no monta tangana, al contrario del resto de mostrencos menores que lloran, berrean y regurgitan y hacen batallas de pan, el hijo que todos desearían para sí.

…y tal como vino, desapareció. Sin rencores, espectáculos lacrimógenos ni aspavientos. Un día cualquiera, tras haber conocido las mieles del triunfo a una edad tan temprana, estirada su carrera desde sus escarceos en la serie de El Coche Fantástico, hasta trabajar con Tim Burton, tontear con la Cienciología y rodar la segunda parte de Cocoon, decidió apagar las luces del camerino y dedicarse a otra cosa, sin dar ningún tipo de explicaciones. Dijo en Hollywood que se bajaba un momento a por un paquete de Winston, y ya no volvió. Durante casi dos décadas nada se supo de él, no concedió entrevistas, no apareció en reallities ni en nauseabundos revivals presentados por Consuelo Berlanga, y lo cierto es que, la característica frialdad del consumidor de cine palomitero, no tardó en desplazarle al olvido y encontrar sustituto en el Pinocho explotado de turno para bailar jotas sobre el tablao.

…hasta que sus acérrimos fans de la época se convirtieron en treintañeros, esta macromaraña de información patológica que es Internet fueron sus benditas Páginas Amarillas, y algún freak Mr. Holmes aburrido sin Watson al que sodomizar, dio con la clave correcta en el Google y acabó atando cabos hasta dar con su paradero actual, allá por 2007. Pues resultó que el amigo Barrete vivía tan pancho y feliz como fotógrafo profesional en Los Ángeles, con un reconocido pero anónimo prestigio por su saber en las artes técnicas del Siglo XIX, profesor universitario, con diversas exposiciones en su curriculum. Mas no terminó aquí la sorpresa, nimia y meramente anecdótica si no fuera por la guinda morbosa del pastel dulce de la curiosidad del buen nerd: su foto actual.
Quisiera ser el primero en pasarme por el forramen el expreso deseo del susodicho de no exhibirle cual mono de feria y respetar su derecho a la intimidad (hace unos meses, cuando conseguí sus fotografías, me infiltré como el geeky de pro en cierto grupo msn de fans yankees donde resguardaban el documento gráfico como oro en paño), ingenuo de mi, mas obvia decir que Internet es, a estas alturas, un nido de alimañas donde conviven carroñeros aún más despreciables que yo. Pero en fin, si se quieren evitar el tecleado en cualquier buscador sencillote, yo les ahorro el trabajo. Ahí va:

A mi no me pidan explicaciones, que no pienso devolverles los cuartos. Efectivamente, esa especie de judío ortodoxo rodeado de puretas de cata mayor, no es otro que aquel mismo guajillo que gritaba a la oscura tormenta aquel mítico e inolvidable “¡¡Hijo de la Luuunaaaa!!“, con las ventanas abiertas de par en par. Ciertamente, todo intento absurdo de asociar esas barbas de Níquel Nanas, esas rastas piojosas, ese look perroflautista degenerado con los acordes nostálgicos de Neverending story, es totalmente en vano. Y sin embargo, ahí tienen ustedes a un tipo feliz. Ya es algo de lo que muchos no pueden presumir.

Reciban un cordial saludo, y tengan muy buenas noches.

Así como, en la Era Contemporánea, el espectro mercantil varía entre los monopolios titánicos (Microsoft) o los oligopolios exclusivistas, la de los años 80 fue sin duda la década álgida de las cruentas Guerras de los Duopolios. El público debía optar radicalmente entre Beta o VHS, Galerías o El Corte Inglés, Sabrina o Samantha Fox, Cola-Cao o Nesquick. Sin ambages, sin términos medios.
Algo parecido sucedió con el siempre atractivo, para mayores y pequeños, mundillo de los cochecitos eléctricos (slotcars), aún en boga para neófitos o nostálgicos empedernidos, a pesar del descenso de rentabilidad con respecto al enorme boom que supuso en su estreno.
Aunque obvio es que, con el paso de los años, el claro ganador de esta batalla entre partidarios del Scalextric Vs los del TCR, acabaron siendo los primeros por meros resultados comerciales, durante los años 80 el debate estuvo ciertamente igualado.

Las diferencias entre el Scalextric de Exin y el Total Control Racing de Model-Iber eran más que evidentes, siendo las carencias de uno suplementadas por sus virtudes con respecto del del otro, con la mano en el corazón y absoluta imparcialidad, en definitiva lo cierto es que las comparaciones estaban muy igualadas.

—El Scalextric disponía de coches más grandes, una historia más longeva iniciada en Gran Bretaña hacia principios de los 50 (comercializado en España por EXIN -los de los Castillos- y luego por Ibertren), y una iniciativa mucho mayor, más imaginativa y creativa que la de sus oponentes, siendo la primera marca de slotcars en presentar al mercado verdaderas réplicas de los grandes bólidos de los pilotos célebres de entonces de Rallies, de Fórmula 1, etc. Su movilidad se basaba en seguir invariablemente la trayectoria de un raíl hueco ribeteado en una pista sin rebordes, con lo que debía reducirse la velocidad en las curvas o el coche se salía de la carretera, siendo imposibles los cambios de carril voluntarios para adelantar al oponente, tan sólo en los puntos intermedios donde los dos carriles existentes se entrecruzaban para igualar las condiciones de recorrido de ambos bólidos en liza.

—El Total Control Racing, fabricado originalmente por la casa yankee Ideal Toys en los años 70, presentaba cochecitos más canijos, del estilo Hot Wheels, con dos pequeñas lengüetas metálicas en su dorso que, al contacto con tres líneas metálicas continuas a lo largo de cada raíl, hacía girar el motor de su eje. Aunque sus coches representaban marcas reales (Porsche, BMW), lo cierto es que eran modelos anónimos, sin relación con las celebridades del motor de aquellos años. Sin embargo, este sistema motriz se basaba en un motor especial de doble eje con doble corona conectado a un mando por cables capaz de invertir la polaridad del circuito por medio de una clavija, consiguiendo con ello que el coche, voilà, cambiase de raíl cuando quisiéramos, pudiendo efectuar adelantamientos realistas y haciendo mucho más entretenido el juego.
Esta novedad espoleada jugó muy a su favor ganándose grandes adeptos, como aquí el que suscribe, hasta las napias de tener que levantarse del suelo de moqueta a recolocar el bólido del Scalextric en el circuito cada vez que éste se salía de pista por la jodida fuerza de la inercia, cosa del todo imposible con el TCR, de calzadas poderosamente protegidas con altos rebordes en su margen externo, a prueba de centrífugas sobrenaturales. Los accesorios sin límite, además, convertían el simple juego inicial –caro de cojones- en progresivamente ampliable, aprovechando cada caída de diente de leche para pedirle al Ratoncito Pérez nuevos tramos, obstáculos, puentes chicane, bólidos con luces, cuentavueltas, semáforos o vallas decorativas con pegatinas de DUNLOP o Shell, con los que convertir tu cuarto de estar en un auténtico circuito monegasco lilliputiense como para provocarle erecciones al mismísimo Belni Ecclestone.

Ahora bien, esta ultraseguridad en pista de los coches TCR (que en las curvas fueses por el carril que fueses, siempre se te iba el bólibo al exterior) convertía el juego en monótono, cabiendo perfectamente la posibilidad de atar con celo el acelerador del mando e irte a merendar tu bocata de Nocilla mientras en el salón tu mítico BMW azul nº32 hacía vueltas rápidas como churros verbeneros.
Esta falta de emoción se suplió con el gran invento del genial “coche obstáculo”, un utilitario que marchaba solo por la pista en zig-zag, cambiando automáticamente de carril, para joder a los dos rivales en competición, lo que dificultaba verdaderamente las carreras e incluso ofrecía la atractiva posibilidad de jugar uno solo.

Lo peor de las tardes-TCR (“¡¡qué PASADA!!” rezaba el slogan flipado-ochentero de la época), del Scalextric o de cualquiera que fuese la escudería oficial de nuestro juego de los cochecitos eléctricos de los güevos, era el correoso proceso montaje-desmontaje del complejo infraestructural del Gran Premio, si ya se tardaba más de media horaca de reloj en machihembrar los tramos de pista del circuito sobre el parqué del salón, ya no te digo si te entretenías en adornarlo con toda la parafernalia adicional de vallas de sponsors, casetas de boxes y la hostia en vinagreta; al final, cuando llegaba el papá de tu colegui de clase al que invitaste a merendar a recoger al chaval, unas pataletas de rabia, porque de tiempo real de juego, apenas diez minutos escasos, oigaustéc. Sin olvidar citar el nada nimio detalle, para mi de hecho traumático a nivel personal, de la grima horrorosa que me producía guardar todo el juego en su caja oficial, no tanto por lo tedioso de la tarea como por la dentera que me producía el roce fugaz del metal de los raíles con el poliuretano cajeado del interior. Diablos, aún exudo gotas de sudor frío al recordarlo. Peor que morder por error el envoltorio de papel albal del sandwich del recreo.

Saludetes y buenas tardes.

A estas alturas de la vida en las que múltiples canas invasoras comienzan a platear mi aspecto (con enormemente erótico resultado), aún me duelen prendas y avergüenza reconocer mi reciente adicción a la bebida refrescante con quinina, la Tónica de Schweppes. Si bien el pedir tónica en los bares, como fumar mentolado o comprar el ABC, es característico de viejos y puretas, debo reconocer que, desde el momento en que me cautivó el sabor amargo de esta bebida, en mi nevera nunca faltan las reservas de estas latas amarillas. Precisamente el quid de la cuestión en la afición a este refresco, estriba en convencer al consumista de que aparque sus miedos a un lado, desestime la chocante amargura de inicio de la tónica, y beba un par de tragos más hasta acostumbrarse a su sabor suave y refrescante. Les aseguro que engancha.

Y ésta fue, precisamente, la misión que le fue impuesta al hoy reputado publicista Agustín Medina para idear la campaña encaminada a introducir en nuestro país el brebaje bicentenario de Jacob Schweppe.
Con el lema pionero “Aprenda a amar la Tónica“, poco podía imaginar el actorcillo francés escogido para darle rostro, que se pasaría doce largos años seduciendo a incautas chavalinas, a golpe de pajita, a lo largo de 50 spots.

Bernard Lecoq, que así se llamaba en realidad el anónimo personaje, guapito de cara y con gafas de Clark Kent de marca Benetton, pasó con su triunfo comercial a engrosar el imaginario colectivo nacional, junto a otros monstruos mediáticos desconocidos procedentes de la publicidad, como el Mayordomo del algodón o el entrevistador del jodido helicóptero de Tulipán. Pocos recuerdan ya el fallido intento de explotar su popularidad con la película “Un pasota con corbata” (otro horroroso subproducto del patético cine cañí de los 80), ni su extenso currículo previo y posterior -Premio César incluido- al rol de miope treintañero de frente despejada, con su sempiterno botellín y sus diálogos pseudopicantillos que tanto hacen rezumar al impresionable público femenino. Bernard Lecoq, el perfecto pijocanalla coleccionista de bragas y de gases estomacales, fue y será siempre en España “el Hombre de la Tónica“, aquél que el día que muera será noticia del apartado Curiosidades pasados veinte minutos del Telediario, cuando todos los espectadores talluditos dirán aquello de “¡coño! ¡el de la Sweps!” o “¿y dónde cojones se había metido este tío?”. Pues entre otras muchas -a destacar por su extravagancia- interpretando una pérfida versión de un maquiavélico Felipe González en GAL en 2006, el film patrocinado por el periódico El Mundo, ante la falta de redaños de los filoprogres actores hispánicos a osar dejar mal al PSOE.

House no lo hace mal, Carlinhos Brown resulta irritante, Adrien Brody sencillamente es infame, pero Hombre de la Tónica sólo habrá uno. No traten de remedarlo cuando pidan su próximo Gin Tonic.

Da fe el doble de culo de Noriega.

Saludetes e moi boas noites.

Biba's in da house

Las cutrehistorietas publicitarias del superhéroe Biba Blendi, que así se llamaba el castor con gorra rapper e impolutos incisivos que, en su versión actualizada, sigue ejerciendo de logotipo junto a las letras arco-iris, eran lo más pobre, rancio y rupestre que diseñador alguno pudo dibujar, sólo a la altura, si acaso -por su colorido esquizofrénico y su sin par simpleza argumentativa- de la legendaria Gorda de las Galaxias. Tan y tan Q-3, insisto, que convencido estaba de que la Blendi debía ser por fuerza española, auspiciada por Alcampo, PRYCA, Continente o alguna de estas superficies gabachas que confian al fabricante nacional las producciones de más infame coste, pero NO. Cágate lorito que resulta que la pasta de dientes Blendi de BLENDAX era y es alemana, del valle del Rhin, y aún subsiste en pleno albor del segundo decenio secular bajo el protectorado de la descomunal Procter&Gamble, modernizado el jodido mamífero roedor con un toque gangsta, luciendo tóO sHul0 la gorrilla al revés. Que toda esta sarta de nimiedades comerciales, no les quepa duda, las he extraído de Sir Google, a quien jamás agradeceré en suficiencia los orgasmos para con el frikismo pervertido que caracteriza a éste, su infiel articulista, que rescata entre caudalosas eyaculaciones, del Flickr de algún degenerado alma gemela y para todos ustedes, uno de los psicodélicos anuncios citados, que bien merecen el post.

Reciban un muy cordial saludo y tengan todos buenas noches.

Así versaba el himno de toda una generación de pre-, post- y proto-adolescentes de una época, nostálgica para unos y vergonzante para otros, en la que los celebérrimos Hombres G se erigieron como reyes absolutos del panorama pop patrio. Muchos fuimos los que recapacitábamos, confusos, cómo podría ser un ‘niño pijo’ según los baremos de un elemento como David Summers, representante mayor del hijismo paparil y objeto de deseo de cientos de millares de esas “chicas cocodrilo” de antaño con el caimán tatuado en el polo. “Sufre Mamón”, película homónima con respecto al mítico hit, de las dos que Papá Summers hizo para promoción y gloria del grupo de su vástago, vino a resolver esta duda ancestral. Y ese ‘niño pijo‘ cabrón pichabrava, que supuestamente inspiró la sentida melancolía de David usurpándole la chati (Marta Madruga, en la película y en la vida real), se transfiguró en el legendario personaje ficticio de Ricky Lacoste, líder del grupo rival de sus primitivos Residuoss, “La Fiebre Amarilla”.

Sufre Mamón, como la propia musicalidad de los Hombres G, es un producto mediático injustamente infravalorado y vilipendiado hoy en día. Fiel reflejo de una era sencilla y desenfadada, no fue sino un artificio teñido de la intrascendencia hedonista autocomplaciente tan arquetípica de los Años 80. Si bien no compete debate alguno ahora sobre la calidad sinfónica de los Beatles cañís (cuyos álbumes yo, como el 90% de mis coetáneos, he coleccionado compulsivamente en formato casette, ocultos tras un doble fondo de mi estantería), su primera película es simple y llanamente una jodida maravilla.
Menciones obvias aparte de que David y Javier (el batera) no fueran precisamente Pacino y De Niro, ni que el argumento haga sombra a las tramas de Hitchcock, Sufre Mamón se puede observar, con ojos actuales, como uno de los más cutres, mofantes y estrambóticos ejercicios históricos, verdaderamente representativos de la sociedad española de una época mítica. Posters de Samantha Fox, chapitas de The Clash, jerseys de Privata del tamaño de un saco, y de entre la pléyade de nostálgicos símbolos ochenteros, destacando con fulgor propio, el pulligan amarillo, el Forfi albino de la estrofa inicial, y la guitarra española con pegatas de serie de Snoopy o Pachá del único y genuino Ricky Lacoste, nuestro héroe del día.

¡...que tenéis menos fuerza que el pedo de un marica...!

Al contrario que muchos de los detalles de la peli presuntamente biográficos, el personaje del supervillano enemigo de un heroíno David se incluyó con calzador en la trama, con el fin de animar el guión, y justificar, ya de paso, la lírica surrealista del tema que daba título al “flim”. El problema a mayores pasó a ser que esta Némesis secundaria, al alimón primo-hermano de Summers (el no-actor sevillano Gerardo Ortega, cuyo vozarrón era un ostensible doblaje), casi se merienda a la estrella del show.
No fue para menos: un entrañable macarra con tupé de gomina, clavado a ese sempiterno actor de celebérrimo rostro y menos manido renombre que es Guillermín Montesinos (el vendedor de cupones de Los Ladrones van a la Oficina, entre otros), capaz de diccionar incunables del calibre de “chaval, te estás pasando conmigo y estás jugando con la muerte”, merece un apartado propio en el Hall of Fame de la Mitología Pop. Ricky Lacoste, a pesar de sus chaquetas anacrónicas y sus camisas con corbata camaleónica, no era un pijalles al uso blandiblú, con el cuello del niki levantado y debilidad por los “osea” o “telojú”. Era, en sus propias palabras, “el más chulo del colegio”, el “semental de este ganado”, el pseudorrocker de tejanos remangados y calcetos color blanco por el que bebían los vientos -y a buen seguro los esmegmas- las buenorras preuniversitarias del Santa Cristina, recinto lectivo de leyenda madrileña donde, en la vida real, venían a parar los despojos escolares rebotados de otros centros. Como líder del grupo imaginario infausto-pop Fiebre Amarilla (no confundir con los pseudónimos artísticos plagiados de los componentes del dúo gafapasta The Raros), sus canciones egocéntricas, megalómanas e infumables resultaban toda una declaración de principios chulopiscinistas:
“…sé que no puedes más, que te han dicho tus amigas
que estoy bueno de verdad,
pero hay una larga cola que tienes que esperar.
No te creas que eres distinta ni muchísimo más linda,
sólo eres una pedorra más”

Exquisitos endecasílabos culteranistas, que se decían compuestos ad hoc por los mismísimos Danza Invisible (en realidad fueron creación de unos tales Javier Escuriza y Tony Palmer), que, junto a su otra delicatessen sinfónica “como mi almohada no hay nada, no hay nada”, tallaron en mármol noble la figura del último galán a la vieja usanza: sexista, despreciativo, el clásico líder de manada con derecho de primae noctis que todos deseamos ser algún día, en lugar del habitual rol de frustrado paño de lágrimas de sus víctimas despechadas calientabraguetas.

La histriónica caracterización de Ricky, en definitiva, resulta tan obvia, tan ‘malvado de cuento de Gloria Fuertes’, que resulta tarea imposible no alinearnos con el presunto antihéroe, en detrimento del bovino David, con su nihilismo impertérrito y su carisma descafeinado. El aura de Ricky es tan grande que, a fin de cuentas, es él quien se queda con la chavala (como un queso, por muy pedorra que sea), engalana su verborrea cheli a cada perla que suelta -“¡que os folle un guardia!”- y, por mucho que sean los Hombres G los que al final triunfen en la trama (por algo es su jodida película), desde el mismo momento en que el personaje es quitado de en medio, merced a un K.O. pugilístico, empezamos a echarle de menos, encontrando brutalmente prescindible el resto de la película.

Para todos aquellos depravados deseosos de saber del paradero actual del tal Gerardo Ortega, que de tan magno modo interpretó este papel, confirmarles que el chaval no volvió a actuar en la vida, que se recluyó en los quehaceres de su finca de señorito andaluz, y que a día de hoy es el orgulloso propietario de la ganadería de lidia que lleva su nombre, de reconocido prestigio taurino. Ignoro si para el hoy maduro señor, serio y respetable empresario del arte ancestral de la tauromaquia, su breve encarnación como Ricky Lacoste es motivo de orgullo, de oculta vergüenza, o se reduce a un simple y leve rumor en sus memorias vitales. Sólo sé que su indigno final en la peli, como víctima predecible de los manidos polvos pica-pica de la cancioncilla de marras, jamás consiguó masacrar su extraordinario carisma genuino.

Saludetes e moi boas noites, meus fillos.

La Game Boy representó el paso intermedio entre las Western Bar, Donkey Kong, y míticos derivados de la factoría GAME & WATCH, y los sofisticados vidiojuegos portátiles de hoy, que tanto sirven para matar marcianos, como para escuchar emepetréses pirateados o conectarte a la internept. De hecho, con la invención de la Game Boy, pereció el anacrónico concepto maquinita, supliéndose por el estrambótico consola ya en desuso, de clara connotación cochino-sexual. El cristal líquido y la monocromía persistieron, sí, pero míticos detalles encantadores, como el de apretar la pantalla con el dedo gordo para comprobar la limitada variedad de posiciones de los muñequitos que las maquinitas permitían (junto a los dígitos en 8888), desaparecieron para siempre.

El concepto original de la Game Boy resultó brutalmente novedoso y rompedor para la época. En sí, una “multimaquinita” en aras lúdicas. Recuerdo nítidamente la primavera del 90, en mi ciudad natal de Madrit, como el momento en que tuve de ella la primera noticia, observando uno de esos típicos corrillos de chavales durante los recreos en cuyo interior, por lo general, uno espera encontrarse a un repartidor de cromos gratuitos o a dos niñatos de EGB dándose de hostias. Y sin embargo, la estrella invitada en este show era un chaval de 6º, el clásico niñato pijotonto de Mirasierra, sentado en un banco de piedra, manipulando un extraño artilugio de altísima tecnología entre sus manos. Como suele ser habitual en estos clásicos sociales de la infancia, con la actitud despótica de caprichosa estrella del rock del tipo de la Game Boy, que ignoraba despectivamente nuestros ávidos interrogantes acerca de tan maravilloso utensilio, nos costó lo suyo sonsacarle que se trataba del último invento nippón, que le había traído un pariente de Australia en un pack junto a 13 juegazos y a 7 mil cucas del ala. “H-ala” lo que soltaron nuestros viejos, al comprobar que en España el precio se multiplicaría por tres en sus inicios primarios, para estabilizarse con el paso del tiempo en un precio medio de diez talegazos.

Con el pequeño cachivache paralelepípedo color crema de 8 bits entre las manos, tal podías devorar setas psicotrópicas con el Supermario, como con un leve giro de muñeca cambiar de cartucho y ponerte a pinchar globos con el PANG. Los gráficos y aspectos generales minipixelados en escala de 4 grises de los escenarios, obviamente, resultarían lamentables con deshonra en competición con el hiperrealismo 3D de los tiempos de hoy. No obstante amigos, recordemos que, por aquel entonces, nos encontrábamos aún bajo los baremos del Spectrum y sus rectángulos asimétricos representando a los rivales del Emilio Butragueño Toposoft. Los listísimos jerifaltes de Nintendo dieron pábulo al bicho y, en unos pocos años, la ingente variedad de juegos clásicos y reinventados que salió al mercado, unido con una aceptación progresiva que acabó por ser un boom mundial, supieron explotar al máximo el éxito de su creación. Juguete del año no sé cuántas navidades y objeto de deseo para varias generaciones.

En 1998, el número de Game Boys vendidas en el mundo se elevaba hasta los 100 millones, hasta en el lugar más recóndito del Congo había un negro encajando piezas con el Tetris entre rito y ritual zulú. El panorama infantil se trastocó radicalmente, de los niños porculeros que amargaban a sus padres el viaje a Benidorm, vomitando en Guadarrama y preguntando cada tres minutos “¿falta mucho para llegar?“, se pasó al único sonido del bip-bip en los asientos traseros, una chavalería electrónico-autista capaz de enfrascarse absortos durante horas ante una pantallita de apenas 2,6 pulgadas. ¿Pérdida irremediable o bendición? como todo en esta vida, va según estómagos.

Y es que justo en su portabilidad y completa autonomía, en contraposición a las difusas ventajas ofertadas por los productos rivales que, en vano, sacó la competencia, se marcó la diferencia. Yo, de natural caprichoso y rebuscado pedichón, que me pulí en regalos el sudor de cada Paga Extra Navideña de mis viejos durante al menos dos décadas, me vi eclipsado por el brillo subterfúgico de la Game Gear de SEGA en color, que costaba como el doble, y era convertible en tilivisión. Agua de borrajas, oiga. Ni el TV tunner cayó en los Reyes subsiguientes, y la maquinita de portátil tenía lo que Ramón Sampedro antes de soplarse su chupito de antimonio. 6 pilas 6, las que se chupaba el aparato negro de los huevos, que después de un par de horas dándole candela al Sonic Hedgehog, parpadeaba en agonía solicitando un nuevo recambio de alcalinas. La Game Gear era inconcebible sin su pertinente cargador para enchufarlo a la red, un devora-wattios desmedido con el que temblaban las bombillas de la casa, de imposible utilidad en los recreos del colegio o en las excursiones campo a través.

Hoy con ella en mis manos, alucino pepinillos con semejante armatoste naval, poco más chico que una caja de zapatos. Por ello Nintendo se encargó de plancharla y reducirla en sus apócrifas versiones posteriores actualizadas, con los sobrenombres de Game Boy Pocket, Game Boy Color, Game Boy Advance y hasta la Nintendo DS, que yo mismo tengo por casa y no utilizo en la vida.
Aún a riesgo de ser tomado por cutre, en vez de un flamante retropop como tal es mi estirpe, ahí me tendrán, con los pulgares destrozados de darle caña al Wario Land, mientras espero a los embarques en Barajas. O tal vez como apunta cierto amigo, gran conocedor de tendencias in y consumidor de El País de las Tentaciones, cause furor en los esfínteres de Chueca como pasee por sus cafés con mi incunable en una riñonera, y unas Wayfarer de patillas bicolor. Sea como fuere, lo único seguro es que a panoli no me gana nadie.

Tengan ustedes unas muy buenas noches.

El sentido de “servicio público” de la Televisión de estado nunca fue ajeno a este común problema doméstico, múltiplemente repetido en la moderna sociedad cañí desde los tiempos más esplendorosos del franquismo. Y así lanzaron a la programación, en formato de spot parapublicitario, a la celebérrima Familia Telerín, hacia el año 1964, una simpática prole infantil de hermanitos digna de un matrimonio del Opus.

Creados por los pioneros Estudios Moro (publicistas precursores de aquel entrañable strip-tease zoofílico del anuncio de Avecrem), los Telerínez, a través de la engañosa apariencia de dibujos animados, traicionaban la ilusión de los niños al entonar de inesperado aquel dobleintencionado y famosísimo “Vamos a la cama”, marcando el punto exacto de la noche (hacia las 20:00 h. y a diario) en que se acababa el cachondeo padre y comenzaban los dos rombos. Y a pesar de su función aguafiestera, de implicar sin discusión la obligación de tirar pa la piltra y ser un arma efectiva para ese elemento represivo que a veces son los padres, los Telerín marcaron época, siendo a día de hoy de los personajes más añorados por aquellos que nacieron en los 60. E incluso más allá, merced a la popularidad perenne de su sintonía, y a ser resucitados varias veces hasta para promociones de El Corte Inglés. Incluso mi novia luce algunas noches un pijama Women’s Secret, estampado con los jetos de los malditos Cleo, Pelusín y compañía.

Tras una etapa mítica en antena, el spot fue desprogramado, pero no aquella útil idea de marcar sutilmente el fin de horario audiovisual infantil, costumbre que volvió intermitentemente a la parrilla de TVE (a veces importándolos del extranjero, como el “A la camita” del moñas del Topo Gigio), bajo renovaciones continuas de los personajes y del formato. De tal modo, sus legítimos herederos desde el año 72 fueron los hoy olvidados Televicentes, una pandilla de mequetrefes de estética kitsch, comandados por una especie de comerciante de feria, al que un loro tarado llamaba “Don Pepino”. A mi no me miren raro, que éstos son recuerdos de tipos mucho más viejunos que yo, no hablo de mis propias vivencias sino del fruto de una investigación.

Sí hablaré de mi gratificante experiencia personal y relato a pie de campo, cuando a continuación les remita, tras un largo lapso de tiempo en que la tele dejó de emitir estos animados toques de queda, al entrañable Casimiro que recuperó esa noble y añeja tradición. Un amago de cruce entre cacahuete patizambo y velludo Barbapapa, Casimiro resultaba un personaje contradictorio, que vivía en una mansión tenebrosa digna de los relatos de Edgar Allan Poe, pero calzaba bambas All Star y cantaba a ritmo de rock.

No en vano, su archifamosa canción, que incitaba a los niños a lavarse los dientes como hadas y duendes, fue versionada por ‘la vos melodiosa’ de Julián Hernández de los mismísimos Siniestro Total, en su álbum ‘De hoy no pasa‘, de 1987, en uno de sus himnos más surrealistas.
Y eso que la calabaza ésta con patas ni tan siquiera era un personaje español, sino argentino. Aunque no vestía de albiceleste ni era su cometido comerle la oreja a nuestras ingenuas compatriotas con sus pasteleos baratos, detalles sutiles en su dicción como “estresha nocturna” o “me pongo el piyama”, dejaba entrever claramente su condición transoceánica de genuino hijo de Menem. O de Videla, porque a Casimiro le creó el histórico dibujante platense Jorge de los Ríos en 1981, enmarcado en un proyecto de serial infantil que no llegó a prosperar debido a la delicada situación del país, sumido en plena guerra naval contra los ingleses, por un quítame allá estas Malvinas. A pesar de ello, el exitazo total del fantasmal Casimiro (que propició pesadillas horribles a generaciones enteras de niños impresionados) traspasó fronteras, siendo programado durante años, puntualmente cada noche a las ocho, en nuestro propio país del canal Uno y Trino. De hecho, el doblaje estandarizado del bicho, que rehuye esos ‘chés’, ‘lindo’ o ‘rebuenos’ tan tópicos que se gastan por la nación Maradona -que recuerda aquella época en que la sudaquez de los doblajes de Disney apenas se discernía sino por expresiones muy puntuales –> “¿qué no quieren ver a su mamasita, Wendy?”- es una muestra a las claras de las pretensiones internacionales de Casimiro.

¡El viejo de Casimiro sí que está viejo!

Y así cabalgamos, tras la aniquilación del hijo bastardo del Capitán Cavernícola, en una travesía en el desierto, huérfanos de serenos televisivos hasta finales de década. Es en Diciembre de 1988 cuando, de la mano del realizador Hugo Stuven, TVE recupera de nuevo la tradición de mandar a dormir a los niños sacando de la chistera el célebre “Telén Telín Telón” de mi generación X (¿?), dibujos animados de fresco y muy grato recuerdo. Grato, porque a mi no me mandaba a la cama ni Dios, a no ser que salieran tetas y culos en la pantalla, y menos unos ingenuos personajillos que pretendían meternos en el catre a plena luz solar de las engañosas ocho y media nocturnas. Siempre me pregunté qué clase de niño aborregado y manipulable sería capaz de encamarse a esa hora en que aún ni se han acostao las gallinas, máxime en el ejemplo de mis preescolares sobrinos citados anteriormente, que de puro milagro no llegan, los cabroncetes, a la línea de la medianoche.

Telín y Telén son una pareja de gemelitos cabezudos (ella cuando se suelta el pelo es el vivo retrato del Primo Eso), que se encuentran viendo Barrio Sésamo cuando, a traición, una confabulación judeomasónica sincroniza al gato de la casa, O’Clock, y la pérfida tubocatódica Telón, a dispersar a los infantes a su cuarto, donde les espera una Mami Cama de reminiscencias complejoedípicas, que les juro por mi madre a mi me la ponía más en ristre que la escena de Amarcord. :-$ Vaya usted a saber por qué, el micho luce una esfera de reloj en vez de hocico, cuyo tiempo no corre sino vuela, ya que entre que la alarma emite su sonido y los niños yacen acostados, pasa una hora que no cuela a no ser que tire de la maquinaria de un CASIO de los chinos. El caso es que los niños quedan acostados de modo incestuoso entre los generosos pechos de Mami Cama, nos dicen “buenas noches”, y a dormir. Una despedida que al final fue más prolongada de lo que cabía esperar ya que, al año siguiente, fue retirado por decisión del nuevo equipo directivo del ente público televisivo, que sucedió a la malograda Pilar Miró tras el escándalo de sus facturas de Zara pagadas con la VISA-RTVE.

Finalmente, con la llegada de los años 90, la magia de la exclusividad de la audiencia por parte de La Primera y La 2 se evaporó, con la llegada de Telecinco, Antena 3, Canal Plus y demás telemorralla, y los remakes telerines se sucedieron, sí, pero con mucho menor alcance y emotividad. Sucesiva e incluso simultáneamente, fueron los espantosos plagios de la marionetas Henson, los Lunnis, el búho de Las Tres Mellizas, el pseudopedófilo Oso de La Casa Azul Disney o el photoshopeado Pocoyó quienes cargaron con la responsabilidad de representar el cierre de la programación infantil, en los últimos tiempos.
Claro que, a pesar de sus nobles intenciones o de los esquizofrénicos esfuerzos de Pablo Motos y séquito por entonar ese crispante “Vete a dormir” de los cojones, ya nada fue lo mismo, la entrañabilidad bajó a cotas mínimas, y sólo podemos ya aferrarnos a las hermosas memorias del pasado legendario. Un pasado pobre en medios y presupuestos, mas rico en ilusión alucinógena.

Bien cierto es que tendemos a idolatrar nuestros recuerdos más lejanos, fruto de aquella época en que apenas nada del mundo comprendíamos, y la ruindad de la sociedad de las masas no había carcomido aún nuestra ingenuidad ni nos había agriado el carácter. La televisión digital no atiende a respetos, y a día de hoy perplejos observamos cómo nuestros infantes meriendan su bocata con los freaks de El Diario de Patricia, o cenan absorbiendo escatologías de Está Pasando y podredumbres del estilo. El concepto del share defeca sobre la memoria de Casimiro, Televicentes y compañía, y a día de hoy dejar una tele encendida delante de un crío, tiene casi más peligro que regalarle una Play Station 2 y que el niño se dedique a atropellar narcotraficantes en su tiempo de ocio, a bordo del GTA San Andreas.
¿Con qué careto pretendemos impresionarles para que desenchufe la máquina a partir de las 9, si están acostumbrados a lidiar con negrazos armados con un AK-47?

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Reciban un cordial saludo, y muy buenas noches.

Ficha técnica:
Año de Producción: 1985
Director: Richard Donner
Protagonistas:
Mikey Walsh, el enano con brackets tímido y valiente: Sean Austin
Brand Walsh, el hermanísimo: Josh Brolin
Clark Deveraux, “Bocazas”: Corey Feldman
Richard Dwang, “Data”: Jonathan Ke Quan, el chinito de Indiana Jones
Lawrence Cohen, “Gordi”: Jeff Cohen
Andy Carmichael, la guapina: Kerri Green
Stef Steinbrenner, la amiga “murciélago”: Martha Plimpton
Lotney Fratelli, “Sloth”: John Matuszak, sin maquillaje no es mucho más guapo

Si hay un personaje del Séptimo Arte que de verdad merece todo ese caudal degenerado de dinero y celebridad con que suelen ser hipervalorados estos faranduleros progrettis de salón, éste es sin duda Steven Spielberg, el Rey Midas de Hólibuc, que convierte en oro todo lo que toca, con ese especial olfato para la comercialidad, sazonado con un savoir faire y unas dotes de genio capaz de conferir a cada uno de sus trabajos un acabado impecable. Lo hizo con encargos especiales de guiones inabarcables como la correcta Inteligencia Artificial auspiciada por Kubrick, con difíciles temáticas como la trama de Munich, o con meros road movies reconvertidos en clásicos de la talla de El Diablo Sobre Ruedas.

Los Goonies supone, en sí, un dechado de imaginería infantil asombroso, que a cualquier persona criada en los clásicos atractivos de los tradicionales cuentos de aventuras se le podía haber ocurrido: clanes de amigos en edad escolar que corren juntos intrépidas vivencias, personajes estrafalarios, locos inventos y barcos del Pirata Garrapata con fabulosos tesoros enterrados como telón de fondo. Un popurrí de Robert Louis Stevenson, Little Rascals, Enid Blyton o el Profesores Bacterio, no excesivamente original en el género de aventuras noveladas, pero sí a la hora de traspasarlos a una pantalla. Una presentación entrañable, un puñado de simpáticos personajes menores de edad y unos malos tan pérfidos como gratificantemente feos, contra los que la chavalería de las butacas pueda berrear sus sentidos “buuuuuuuhs” de desaprobación y lanzarles palomitas, riendo sádicamente en la satisfacción de contemplar cómo acaban recibiendo aleccionantes mandobles uno tras de otro.
Spielberg creó el guión de esta historia de la nada y actuó como productor, cediéndole la silla de dirección al irregular Richard Donner de Arma Letal o Lady Halcón, pero desde el salami del gordinflón hasta el parche de las calaveras de los piratas, todo huele al perfume embriagador de este jodío judío.

El grandioso barco de Willy, el “Inferno“, se construyó a escala real con todo lujo de detalles y se vendió al mejor postor tras la filmación. No “postó” ni Dios, y acabó en Valdemín-Gómez.

Los Goonies son una pandilla de mocosos en edad escolar así autonominados, integrada por diversos miembros de distintos patrones estudiadamente seleccionados (como en toda película que se precie dirigida a un manipulable público juvenil) que viven en un pequeño pueblecito costero de Oregón, Astoria (patria queridaaa), junto a los denominados “muelles de Goon” (de ahí su apodo), a pie de la playa de Cannon Beach. Así, tenemos al pequeño líder Mikey Walsh, tímido, inteligente y audaz -un Sean Austin que acabaría interpretando a uno de los coleguitas elfos de Frodo en El Señor de los Anillos, una vez superados los granos y el onanismo compulsivo de la adolescencia. Le acompañan Bocazas, el graciosillo del grupo, el omnipresente actor infantil por antonomasia Corey Feldman (Gremlins, Cuenta Conmigo); el chino de diez años Data (¿sería por el término informático, o un hiriente ‘Rata’ cachondeándose de su acentuado “dedeo” de inmigrante?), fanático de los inventos del Todo a Cien, que con un par de palillos y un rollo de cinta aislante ríte tú del McGyver; y como no podía ser menos, el obeso de la pandilla, el Piraña, el metegambas entrañable que se hace de querer en su histrionismo hipertiroidal, de evidente pseudónimo “Gordi“.
A su vez secundados, por meras razones de kangureo e indispensables anexos romanticoides, por el hermano de Mikey, el musculoso Brand (nombre de pila completo, Brandon Walsh, ¿no les trae como 90.210 reminiscencias?), y el par de zorrupias de atrezzo: la una pelirrojilla con carita de ángel, Andy -a la que el cachas se quiere beneficiar-, la otra rubiafea de pelo chicazón, Stef -otro clásico, la gregaria asexual de escaso atractivo como complemento a la maciza, como pasaba con Desi de Verano Azul, que hoy día apostaría media nómina a que acabó acomplejadita y más puta que las gallinas.

El caso es que tanto a los hermanos Walsh como al chinaco, y como en efecto dominó le acabará ocurriendo al resto del barrio, pretenden expropiarlos para reconvertir su urbanización en un lujoso Campo de Golf, con sus caddies y sus hoyos, y su Club Social donde la gente viste bermudas blancas a juego con el jersey sobre los hombros, y bebe sorbitos de té con el meñique estirado.
Como los Goonies son más bastos que los eructos de Luis Aragonés, pasan del golf y son más de petanca, pelota vasca o el escondite inglés, por lo que se resignan a pasar sus últimas horas juntos, llorándose las penas de que sus padres no tengan perras, jugando al tute cabrón en casa del amigo Mikey, mientras degustan tristemente una Mirinda. Pero héte aquí que al inquieto amigo de los brackets le da por revolver en el desván de su viejo, que curra en el museo y lo tiene de mierda hasta arriba, y ¡tachán! como por mágica coincidencia aparece, escondido tras un cuadro, un amago de plano del tesoro presuntamente redactado por el mismísimo pirata Willy el Tuerto, describiendo lugares no muy lejanos a su aldea. Motivados con los pertinentes “waaaaoh” de admiración (se pasan media peli flipándolo en colores boquiabiertos), de ahí a maniatar al aguafiestas del hermano Brand a su barra de ejercicios Abdominator, y salir escopetados en sus Orbeas camino del parné, e involucrando en su aventura al resto del reparto, es todo uno.

Goonies merchandising

Y a partir de aquí, amigos, es cuando el talento de Spielberg se derrama a hectólitros por doquier: grutas subterráneas, pasadizos ocultos, familias italianas de mafiosos liderados por una horrible abuela, una gymkana correctiva de imaginación ilimitada perpetrada por el cabroncete puñetero del pirata Willy… hasta llegar sanos y salvos a las entrañas del barco, escondido en una cueva, repleto de oro, incienso y mirra hasta los topes. Que por cierto, acaba finalmente navegando a la deriva con total impunidad, mar adentro, mientras todos se lamentan entre cálidas sonrisas por no poder hacerse con un mal par de aquellos doblones con la cara de Juan Carlos de Borbón ¡los muy anormales! en vez de pillarse una Zodiac a motor y salir a toda caña tras la carabela, en pos de los dineros.

Claro que, como no podía acabar tan tristemente una película para Todos los Públicos, al final a la chacha transalpina de uno de los chavales, le da por sisarle en los bolsillos, encontrando en su interior varias piedras preciosas que or pura suerte había guardado de souvenir del tesoro del barco, con lo que pueden sufragar las deudas causantes del deshaucio y revertir el intento de expulsión. Justo en el momento, por supuesto, en que el padre de Mikey estaba firmando la transacción. Y es que el Hollywood infantil-ochentero era así de sorprendente, en un segundo se pasaba de los llantos a la carcajada, en cabeza ninguna cabe que, por muy cabrón que fuese el pérfido agente inmobiliario, hubiese tenido la poca delicadeza de llevar encima la orden de deshaucio y tratar de ejecutarla ante la prensa, en el mismo momento álgido en que los chavales regresan a los brazos de sus preocupados padres. Pero ¿qué les voy a contar? los niños son idiotas y no le buscan cinco pies al gato, ellos mientras el bueno acabe comiendo perdices a la sidra, y puedan chillar al unísono “¡¡¡bieeeeeeeeeeeeen!!!” en una salva de aplausos, son felices, los angelitos.

Y eso que, originalmente, la acción de la película se desbordaba aun más si cabe, con la presencia de diversas microaventuras fantásticas, posteriormente eliminadas del montaje final. No en vano, uno de los gazapos más curiosos del film tiene lugar hacia el final, cuando una tropelía de periodistas de Madrid Directo inquieren a unos victoriosos Goonies acerca de los sucesos que acaban de vivir, y Data espeta de improvisto: “lo que más miedo me dio fue lo del pulpo“, para sorpresa del espectador, achacándolo inconscientemente éste a una fantasmada post-traumática del entrañable niño chino. Pero el caso es que una escena protagonizada por “el pulpo” sí se rodó, y en ella un gigantesco octópodo estaba apunto de engullirse a la pobre Stef si no es por la valiente actitud de Data, quien introduce al monstruo una cassette en la boca, tronando a todo trapo los ritmos de un inapelable “Eight Arms To Hold You“. Finalmente, la sabia decisión de algún bendito con criterio eliminó semejante patochada del metraje definitivo, aunque olvidando recortar la mención a la misma a posteriori.

Para la galería de incunables de este mito cinematográfico imborrable de la década, sin duda destacar al desproporcionado parapersonaje Sloth, enorme y entrañable deficiente mental de rostro picassiano, hermanísimo de los Fratelli (los malos), ex-jugador de football de los Raiders al que se supone adopta el Gordi hacia el final del flim (habría que ver la reacción de su madre ante la “genial” idea del Piraña de Oregón). No menos para el recuerdo, los gritos del histriónico gordito cuando, al ser encerrado en un armario junto a un cadáver fresquito, se pasa media peli gritando “¡¡un fiambre, un fiambreeee!!“, sin duda grabado a fuego en las retinas de los tiernos infantes de entonces. Todo ello, en añadidura, ambientado con una banda musical de fondo brutalmente ochentera, destacando entre otros intérpretes a las nenas de The Bangles o la autora del tema central “Goonies R’ Good Enough“, Cyndi Lauper.

Tal como eran, tal como son

En fin, ¿qué más necesitan, para redimirse, aquellos pobres desgraciados sin infancia que hayan cometido la osadía de no haber visto nunca esta película? “Los Goonies” supone el legado de una época en que ir al cine era una fiesta, aprovechábamos los descansos publicitarios de la tele para mear a toda prisa, y jamás caeríamos en las lacras destructivas de pirateo que acabarán minando la magia contenida en las películas. Aprovéchense ahora en que nuestra ingenuidad y nuestro sentido de la ética roza límites deplorables, y sáquenle partido…

Graciñas pola suá atención, e moi boas tardes.

Dudé durante unos instantes si titular este post de presentación del Blog, basado en tiempos añejos acordes con los personajes, bajo la manida frase inicial de los shows de la telepayasa familia Aragón, “¿¿Cómo están ustedes??“. Tras recapacitar unos breves segundos, rechacé fulminantemente la idea. En poco representaría la verdadera intención de este infame proyecto.

Dios Santo, ¡¡huyamos!! un nuevo rincón virtual de jubiletas prematuros, acaramelados nostálgicos con el cerebelo aparcado en los Mundos de Yupi, enalteciendo los tiempos de Don Pimpón y los Bucaneros, convencidos sin discusión de que en definitiva, todo tiempo pasado fue por siempre mejor. Si le produce urticaria todo el rollaco ochentero auspiciado por el terrible lobby mediático, que nos asfixia de subproductos de cultura retro (con suerte desigual, ya sea en anuncios de Coca-Cola, programas de Corbacho o fallidas teleseries), HUYA cuanto antes (cabrón), pues no encontrará otra cosa. En el extremo contrario, si lo que le produce orgasmos de añoranza es el sentimentalismo rememorativo, la nostalgia melindrada de las merendolas con Nocilla, la emotividad intrínseca de la canción de Casimiro, amigo, HUYA también, pues no será eso lo que aquí encuentre. ¡¡Hijosdeputa!! tampoco me dejen solo.

OCHENTALIA es ante todo un proyecto personal, una especia de válvula de escape de una mente complicada y retorcida, sarcástica pero detestable, de un energúmeno como el que suscribe dotado de una personalidad minuciosa y exhaustiva, altamente ilustrado en lídes que a nadie le interesan. Capaz de concentrar conocimientos tan inútiles como el origen hebreo del muñeco Espinete, desmontar mitos vetustos como la existencia de un auténtico yo-yo Russell de “Cinco Estrellas”, o incluso desperdiciar tiempos insanos localizando en YouTube las canciones originales plagiadas que, en su día, derivaron en algunos exitazos de los genuinos Hombres G. Todo ello, no gasten saliva tratando de ridiculizar lo evidente, vergonzoso y lamentable a partes iguales. Pero de algún modo –enfermizo- también, simpático y divertido. Puede incluso que, para algunos (o al menos es esta mi desperada esperanza), hasta entretenido.

OCHENTALIA va a ser un análisis personal por fascículos, en clave de humor, de diversos episodios de una era de mitos, un pasado aún cercano de una casta ajena a franquismos, transiciones y Carlitosalcántaras de los huevos, hedonistas horteras preocupados tan sólo por disfrutar, innovar y estar siempre al loro (Tierno Galván dixit), y algunos de ellos, también colocaos (sorprendentemente, también sic).

Un homenaje a los genuinos padrinos de la Libertad con mayúsculas que inauguró la Generación Guay, felizmente formada a años-luz del analfabetismo marginal de la LOGSE. Bajo una dimensión no sólo infantil, sino también en recuerdo al Milán de Van Basten, Gorbachov y la Perestroika, los pezones cónicos de Sabrina y hasta los míticos Juegos de Barcelona, que quizás supusieron el punto de inflexión no sólo en mi madurez (al coincidir con la edad del acné -y de las pajas-) sino tal vez en la inocencia mitómana pop en este país, al tomar modernamente conciencia de sus propios valores. Por ello, y a modo de último aviso, advertir que OCHENTALIA luce un nombre en verdad inapropiado: un bledo me importa el Golpe de Estado del 81 en el que aún no levantaba tres palmos del suelo, del mismo modo que no concebiré mi deplorable legado sin revisar la Catapulta Infernal de los paletodentudos gemelos Derrick en “Campeones”, fechados allá por principios de los años 90.

Con todo, las presentaciones sociales cubiertas en aras de diplomacia, las disculpas no presentadas en virtud de mi pésima educación, y las cartas (Heraclio Fournier de la ACB ’85*) puestas sobre la mesa, no me queda otra ya que dar rienda suelta a mi archivo y autoimponerme un muy apropiado y nostálgico “no te enrolles, Charles Boyer” y dejarme de hostias.

*
CORBALÁN, la carta gafe por excelencia: viejo ¡y encima
bajito, el mamón! jugada impepinablemente perdida.

Que Dios les bendiga a todos ustedes.

Sean cordialmente bienvenidos, y muy buenas noches.